Эссе музыкального руководителя ДОУ «Интеграция музыки и живописи»

Живопись и музыка — это различные виды искусства, которые сильно воздействуют на эмоциональное состояние человека. Они вызывают широчайший спектр эмоций — от спокойного сопереживания до бурных восторгов или полного неприятия.

Для выражения впечатлений часто используют несовместимые на первый взгляд категории: «окрашенный звук, «светлая мелодия», «красный или серебряный звон», «звучание красок» и др.

Каждое понятие, заимствованное из одной сферы, обогащает и усиливает понятийную сферу другой. Существуют также общие законы и правила построения музыкальных и изобразительных произведений: симметрия, динамика, центр композиции, акценты, ритмы, тональности. «Звуки и цвета являются символами одинаковых душевных переживаний /В.Г. Короленко/. Общие законы и позволяют объединять звук и цвет, музыку и живопись.

Родство музыки и живописи ощущалось еще в древние времена. Первые шаги к сближению разных сфер искусства сделали художники. Они изображали на своих работах певцов и музыкантов. О красоте исполняемых мелодий зритель мог судить по душевным переживаниям, отраженным на лицах исполнителей. Завораживающая сила звуков передавалась также выразительной пластикой и динамикой поз музицирующих людей.

Примеры тому многочисленны. Приведем лишь некоторые из них. Венецианский художник Бернардо Строцци в 1640 г. написал картину «Лютнист», на которой изобразил находящегося во власти музыки молодого музыканта с красивым и вдохновенным лицом. Длинные утонченные пальцы играющего человека перебирают струны, издающие чарующую мелодию.

Английский художник Томас Гейнсборо (1727-1788) часто рисовал аристократов с музыкальными инструментами. Живописец для своих работ выбирал завершающий момент их музицирования, когда взгляд изображаемых ими людей был, как бы обращен в сторону улетающей мелодии, а слух продолжал улавливать последние затухающие звуки.

К музыкальной теме обращались многие художники разных стран и времен. Известны работы Д. Халса «Домашний концерт», В. Боровиковского «Портрет сестер А.Г. и В.Г. Гагариных, В. Тропинина «Гитарист», П. Федотова «Портрет Н.П. Жданович», П. Пикассо «Три музыканта» и др.

Но одно дело изобразить музицирующих исполнителей, а другое — увидеть саму музыку. Попытки осуществить этот замысел впервые были предприняты русским композитором А.Н. Скрябиным и литовским художником М.К. Чюрлёнисом (но каждым по-своему). Произошло это почти в одно время — в конце XIX начале XX веков. Композитор А.Н. Скрябин написал симфонию «Прометей», исполнение которой сопровождалось вспышками света различной окраски. С помощью пространственно организованного света воплотилась идея воспринимать музыкальное произведение уже двумя органами чувств — и слухом и зрением. Желание слышать и видеть одновременно созданную композицию привело к рождению нового направления – светомузыки. В фейерверке звуков и красок происходит сильное воздействие на зрителя, на его эмоциональное состояние (кстати этот эффект используют сейчас многие рок- и поп-группы).

Композитор и художник М.К. Чюрлёнис стал основоположником музыкальной живописи. Свои впечатления от сонат, фуг, прелюдий он выразил с помощью красок и создал созвучный им мир зримых образов. Плоскость картин позволяет, как бы остановить музыку во времени для ее обозрения.

Картина «Арфа» Чюрлёниса изображает опушку леса со склоненными деревьями, напоминающими струны арфы. К синтезу живописи и музыки здесь добавляется пантеистическая идея.

Художники, последователи Чюрлёниса, создают новые стили для написания своих красочных полотен. При этом звук и цвет словно сливаются в одно целое и рождаются творения, помогающие глубже познать гармонию мира.

И все же представления о музыкальной живописи у художников и о светомузыке у композиторов субъективны. При этом у каждого автора свое видение услышанного.

В свое время И. Ньютон сопоставил цвета спектра и музыкальную октаву. На его чертежах холодные части спектра соответствовали более низким звукам, теплые — высоким. Развивая эту идею дальше, можно заменить черно-белые значки на нотном стане разноцветной графикой, то есть каждую ноту обозначить соответствующей цветной полосой. Это даст возможность увидеть мелодию и получить более объективную цветовую картину звучащей музыки. При этом высота звуков первой октавы будет соответствовать цветовой гамме всего спектра. Для других октавные тона цвета (светлоты) будут адекватны изменению звуковых тонов, а ширина полосы — длительности ноты. Паузу можно обозначить белыми полосами (отсутствие цвета), fortissimo (громко) — более высокими полосами, pianissimo (тихо) — полосами меньшей высоты.

Изменение длительности ноты приведет к изменению ширины красочной линии. Например, ширина для целой ноты будет в 4 раза больше четвертной и в 8 раз — восьмой. Лига — плавный переход одного цвета в другой. Знаки альтерации

— знак повышения звука на полтона. Для полосы — это более теплый оттенок цвета. Бемоль — знак понижения звука на полтона — более холодный оттенок цвета.

Теплые оттенки создаются добавлением к основному цвету красной или желтой красок. Холодные

— синей краски.

С точки зрения физики звук распространяется волнообразно, поэтому мелодию можно записать в виде своеобразной волны из разноцветных полос, гребень каждой из которых — это начало нового такта. Темпы исполнения будут влиять на шаг волны. При исполнении мелодии двумя руками рисунок создается отдельно для каждой руки. Затем волны или совмещаются или пересекаются. В симфонической музыке возникает объемная волна с гранями, количество которых соответствует количеству видов инструментов.

Таким образом, можно предположить, что звуки и цвета взаимно — подчиняемы. Это дает возможность создавать компьютерные программы и сочинять новый вид музыки с помощью цветовой компьютерной графики.

Не исключено, что когда-нибудь в будущем живописные произведения также будут переводить в музыкальный ряд. Такое компьютерное искусство имеет необозримые перспективы.

Интересно проводить уроки синтезирования музыки и живописи с учащимися общеобразовательных школ.

Вначале ученикам предлагается выполнить натюрморты с музыкальными инструментами, т.е. изобразить музыкальную атрибутику. Натюрморты выполняются акварелью в технике a la prima по влажной бумаге или гуашью пастозно.

Затем ребята красками на бумаге рисуют музыкантов, танцоров, певцов, выстраивая сюжеты на тему «Концерт». Важно отмечать работы, в которых не просто изображается, но и выражается связь с временными искусствами — когда позы артистов не являются статичными, а их движения передают ритм исполняемых произведений. Цветовые решения костюмов и сцены также соответствуют поставленной цели — увидеть мелодию.

Яркие контрастирующие оттенки тканей — вспышки света в виде разноцветных пятен или мягкий нежный колорит передают характер изображаемой музыки.

На следующем этапе — создания музыкальной живописи в ее символической или абстрактной форме — детской фантазии не было предела. Просмотр по видеомагнитофону симфонических и эстрадных концертов, прослушивание песен в исполнении русских и зарубежных артистов привело к созданию интересных нестандартных работ. С каждой новой мелодией нетрадиционные этюды становились все более и более смелыми. Цветовые мазки ложились на плоскость бумаги в соответствии с чувствами, рождающимися в сердцах детей. Живопись была динамичной, не ограниченной рамками заученных правил. Забывая об обычных формах и объемах, юные художники самозабвенно как бы растворялись в льющихся звуках и создавали не закрепощенные художественными штампами цветные композиции. Для этого ими использовались акварель, гуашь, фломастеры и пастель.

Экспериментируя, ученики постигали сущность и право на достойное существование творческих методов живописи, рожденных в сфере абстракционизма и авангардизма.

Изображение же мелодии в виде музыкальной графики предлагалось для тех детей, которые были знакомы не только с основами цветоведения, но и с нотной грамотой.

Простые музыкальные произведения, изображенные графически, представляются ученикам уже совсем в ином виде. История говорит нам о том, что изображение музыкальных звуков началось с рисования человечков в разных позах. Затем использовались буквы, невмы (точки, черточки, запятые). После изобретения нот и нотоносца музыкальная запись практически не менялась, но абстрактность ее «черно-белых значков» создает определенные трудности для детей. Цветовая запись нот, возможно, будет восприниматься лучше, быстрее запоминаться, она облегчит процесс обучения, а в сознании соединит цвет и музыку

Автор: Шагигалина Элина Альбертовна
Должность: музыкальный руководитель
Место работы: МБДОУ д/с «Аленушка»
Месторасположение: г.Сибай Республика Башкортостан



Опубликовано в разделах:



VK
OK
Facebook
Twitter
WhatsApp


Оставьте комментарий

Ваш e-mail не будет опубликован. Обязательные поля помечены *